la base (no la pasta)

Desde acá construimos.

Más y Mejores Referentes.

El audio y la superposición levemente desfasada que construyen el punto de vista. La ruptura. La estructura es el relato ya que la distancia no permite otra construcción.
Como siempre en este año: recordar que de lo personal a lo universal. Que mejor identificarse, que después la distancia, que siempre subjetivo, que recortar es hablar de lo que quedó afuera.

Ejemplo - Relato de la Idiosincrasia del lugar desde el punto de vista de un personaje entre característico y atípico. Énfasis en el quién y en el cómo.



La voz en off que guía las imágenes. Una invitación a hablar. Hablar de uno es hablar de lo que lo rodea. El fuera de campo es clave como percepción de lo inabarcable. Construcción del imaginario. En el recorte adecuado se disparan los sentidos. La fluidez de la voz aporta la continuidad que la cámara no puede obtener.

MAR DEL SUR

 Playas anchas, solitarias, médanos y acantilados, restos fósiles y piedras preciosas del mar. Mar del Sur iba a ser el gran destino turístico balneario por excelencia. De ese sueño, quedan las ruinas de un hotel 5 estrellas con sus canchas de tenis, caballerizas, panadería propia, etc. La clase alta jamás lo frecuentó pero se dice que recibieron la visita de un contingente nazi. Hoy es un destino bohemio. Entre sus menos de 500 habitantes, se encuentran actores, pintores, músicos y poetas (fijos o fieles veraneantes). Tiene sus parajes secretos también: el Remanso, zona de pescadores y aguas turbulentas; Rocas Negras, una escollera natural de piedras que se adentra 300 metros en el mar. Una laguna donde se puede acampar, que desemboca en el mar a través de un arroyo que tiene una cascada. Caminos de campo, caminatas de playa que no tienen fin.

¿Ver más es ver mejor?

Ésa es la pregunta que se alza con nuestro trabajo 5 y que estructura el trabajo, creo yo. El arte recorrió el camino de la representación mimética de la realidad al énfasis en la subjetividad del artista en su captación de esos estímulos de los que somos incapaces de afirmar su existencia. Turner fue uno de los pioneros, en mi opinión, en la fundación de esta concepción del arte.
En el cine y el video, estamos, creo yo, en cierto sentido desandando ese camino. La mejora en la calidad de la imagen lleva a creer que la mejor reprsentación del objetivo es el acercamiento máximo. El primer plano, el plano detalle son el vicio del video y del high definition. Planos que no permiten al espectador un recorrido visual dentro delc uadro y que sólo implican una lectura.
Nuestro trabajo desenfoca la imagen y juega con su contenido para hacer esta pregunta que formulé en el título. ¿Necesitamos ver cada gota de lava de la explosión para saber que es una tormenta? ¿Esta visión es más sensorial que una representación general? Invitamos en el trabajo a sentir la explosión del volcán desde lo más hondo de su esencia y su materialidad. Mediante la técnica turneriana que nosotros denominamos representación etera de lo magnánimo, transpusimos al autor y jugamos con su visión del mundo. Es un video sencillo, estructurado desde el concepto de impuslo de autodestrucción. Es la abstracción del pensamiento de aquel que prende fuego a sus sueños.

Grado de satisfacción: 90% (Hay un rudio de explosión muy cortado que no deja de irritarme...)

Grado de felicidad: Superlativo!

Trabajo 5: entre final

Reflexión: en unas horas...

La Orilla que se Abisma

Referente clave para la forma en la que fuimos moldeando el trabajo. La belleza de una imagen sútil,eterea con la fuerza de un recorrido y una estructura sólida detrás.

La magnanimidad de lo etéreo.

Artista elegido: Joseph Turner.

       De los pintores a transponer, los artistas visuales (y especialmente los pintores) son quizás los más díficiles de hacer propios. Con los cineastas y escritores, contamos con múltiples dimensiones y lenguajes: visual, auditivo, textual...con la historia, la estructura narrativa, la tipología de personajes, el ritmo, etc. Con el pintor, nos atenemos a la dimensión visual...al lenguaje de las imágenes sin necesidad alguna de referirse al mundo sensible. Turner es un artista además que se hace enteramente cargo del papel de la subjetividad y que abandona parcialmente la perspectiva mimética del arte. Pero, a pesar delas dificultades, aceptamos el desafío de esta transposición.

      La columna vertebral de este proceso va a ser la representación sútil, eterea de lo apabullante, de lo magnánimo, lo incontrolable. Ver un cuadro de Turner produce una ambigüedad irremediable: es disfrutar de la belleza y la minuciosidad del trabajo con el material pero no poder evitar impresionarse con la imagen de lo sugerido. Y digo lo sugerido y no lo representado. Especialmente por el período de Turner que elejimos y el tipo de cuadros que nos interesan...su momento más abstracto.

    Así, decidimos apropiarnos del material del cine: la luz.  Trabajarla del modo más sutil y sugestivo. La aspiración es crear la posibilidad de inmersión para el espectador en espacios intangibles que se modifican lentamente sobre sí mismos y que en su fragilidad visual escondan la fuerza arrebatadora de la naturaleza que tanto impresionaba a Turner. El sonido dialoga con la imagen por oposición. Si la imagen es lo vaporoso e indefinido, el sonido será la imagen misma (por sinestesia) de la catástrofe; un sonido concreto, amenazador.

   No parece tarea fácil, pero en esa estamos.

Nuestros referentes:

Charly Nijensohn

http://www.youtube.com/user/CharlyNijensohn#p/u/0/SFupFH1Ndbk

Humans lost in the immensity of the horizon,
enduring the inclemency of nature.

Pienso que esto es exactamente lo que nos falta a nosotros quizás, ese posible punto de referencia; el módulo de la escala.

James Turrell, maestro de la luz:

http://www.youtube.com/watch?v=p5YKXLfjMHw

EME Final

http://www.youtube.com/watch?v=S-5go2l_HK0&feature=player_embedded

No sé por qué razón no lo puedo subir fácilmente como video, blogspot no me reconoce el link de youtube. Lo dejo en este formato.

Para el planteo de este trabajo, empecé con una hipótesis acerca de la sociedad exhibicionista y del lugar de la cámara en la misma. Encontré la manera de adaptar mi trabajo a la idea y llevarlo a la práctica. Con este fin, hicimos un trabajo manual de cada imagen para llegar el resultado final: desde la proyección de las diapositivas en las sábanas y el ir retorciendo las mismas, pasando por la intervención manual de los negativos de las fotos a las diapositivas hasta la proyección en super 8 de los videos de found footage familiar y su digitalización. La fusión de las distintas técnicas fue absolutamente orgánica, por otro lado, constituyendo piezas que encajaban a la perfección entre sí y que se acoplaban casi de manera autónoma durante el propio camino. El trabajo con el sonido fue particularmente interesante ya que fue el que le quitó cierta ambigüedad a las imágenes y ayudar a revisitarlas, comentando y amplificando. Con un textura, rota, descompuesta, igual que la de la imagen; funciona como una capa más que se entremezcla...a veces, entra casi sólo como textura en una primera audición.
Tramitar heridas abiertas mediante la exposición, dejarlas al aire, no ponerle curitas. Ese fue el objetivo y éste es el resultado. El videoarte tiene el estigma de ser considerado elitista, producto del onanismo intelectual del autor para regocijo suyo y de sus colegas. Sin embargo, yo creo que el menos pretencioso de los audiovisuales ya que se trata del disfrute pleno del mismo y de nada más, se trata de sentirlo o no sentirlo. Y en esa línea, puedo decir orgullosamente que entre familiares, amigos y conocidos recibí una respuesta prácticamente una respuesta unánime: "Me conmovió". ¿Qué mejor respuesta para un trabajo que se trata de adueñarse de la propia historia y de llevarla en el cuerpo que saberse movilizador de otros cuerpos de agentes no involucrados? Con este trabajo, pude responder mi pregunta inicial: ¿Cómo universalizar lo personal? Dejándose atravesar por el material y poniéndole el cuerpo hasta al final.

Boceto con Audio, Ahora Sí!

 Esto es lo que hicimos hoy que nos vimos imposibilitados de llevar gracias a la infinita crueldad y maldad del Premier. Tardó como 3 horas en exportar este video que pesa 27,7 MB.............................

En fin, estoy conforme con las correcciones que le hicimos a la imagen. Me cierra mucho más en ese sentido, creo que cada parte tiene ahora más autonomía y se aprecia mejor. De todas formas, viéndolo una vez más...ahora con el audio, me queda la duda de si así como está puesto el sonido no genera mucha competencia con la imagen y le resta peso. Quizás no sea así; pasa que lo acabamos de incorporar y me tengo que acostumbrar primero a verlo.

AUDIO SIN EDIT

Esta es una reducción de los 36 minutos de entrevista. Una super reducción que se reduce a una base de 4:30 minutos aprox para trabajar y editar junto con la imagen. Creo que es un recorte más que interesante. Me atrapa el trabajo en la textura de la grabación, rota y distorsionada como la imagen; así como también el vocabulario y la cadencia del entrevistado. El diálogo y la imagen, así como están, dialogan pero trabajan en ritmos casi opuestos. Puede ser interesante. 

Boceto EME

Acá va el primer boceto para el EME. En éste, está trabajada sólo la imagen con una capa de sonido de fondo que es la del proyector. No es que ésta sea la capa principal, aclaro, ni mucho menos pero ya que estaba disponible...la vamos usando.
Si bien creo que es un primer buen boceto, hay algunas cuantas cosas que podrían mejorarse. Hay partes en las que nos guiamos más por una temática o por la intención de crear choques o contradicciones interesantes y creo que terminaron resultando más interesantes, por decirlo de alguna manera, que bellas.
Por otro lado, me gusta mucho como queda la sobreimpresión de los stop motion de las proyecciones de diapositivas en las telas con los videos de super 8. Me gusta ese velo fantasma que se va formando sobre los videos. Sin embargo, creo que había algo interesante en la sutileza del trabajo manual de esas imágenes retorciéndose en el fondo negro y que de algún modo, eso se pierde un poco al sobreimprimirlo con los videos en ciertos fragmentos. Pero quizás esta pérdida de autonomía es válida en función de la cohesión de la pieza.
Rescato como lo mejor el estilo sucio que tiene la pieza. Me gusta que el video sea reflejo de esta mano que se apropia de estos registros y que los retuerce, los proyecta, los interviene, los raya; desde el comienzo, planteamos fuertemente la presencia del manipulador de la imagen. Adueñarse a pleno, intervenir y reordenar para reescribir. También me interesa el trabajo en capas, donde una se apoya necesariamente en la otra para generar diálogos o contradicciones dentro del mismo frame

En cuanto al sonido, nos juntamos el miércoles con Flor a trabajarlo en función de la imagen. Ya tenemos grabado a mi papá hablando en un mal grabador que satura y distorsiona por momentos. Tiene ruidos de fondo y un importante piso de ruido. En fin, vi Bruno (espero que leas esto) que le pusiste a Flor que fuésemos trabajando el sonido junto con la imagen. Para cuando lo escribiste, ya habíamos hecho este boceto. Aclaro para que no creas que nos rebelamos.

http://vimeo.com/28042583

Referencias y Experiencias Previas

ARQUEOLOGÍA DE LA AUSENCIA - LUCILA QUIETO

    Esta fotógrafa argentina, hija de desaparecidos, encuentra que no tiene fotos con sus padres. Resuelve entonces proyectar diapositivas de ellos en la pared y fotografiarse así junto a ellos, con sus imágenes proyectadas en el cuerpo. Después les envía un mail a todos los demás hijos de desaparecidos a los que conoce bajo el título de "La foto que siempre quisiste" y los invita a hacer lo mismo.

   Memoria activa, historia que se carga en el cuerpo. Las cicatrices. "Una cicatriz es lo que ocurre cuando el mundo se hace carne" Recuerdo, superficie, distorsionado, proyectado, plegado. Apropiarse de la historia de uno. Exhibirse, cantarlo. Fotografiarlo.

ANTON CORBIJN - SOME YO YO STUFF

       Observaciones de las observaciones del músico Captain Beefheart o Don Van Vilet.

Excavar, dejar ser, dejar fluir, resignificar, adueñarse. Jugar, proyectar, liberar, cortar, empalmar, pegar. Copy, paste. Desordenar para un nuevo orden. Exponer. Superficie como todo.

Y YA QUE ESTAMOS...

Un trailer de mi bien amado y nunca tan bien ponderado Greenaway. The Pillow Book. El cuerpo como memoria y como obra, el erotismo del arte

PRUEBAS. PUESTA EN ABISMO.

   Estas fotos que hice en otra ocasión son una buena muestra de la técnica y el estilo de fotos buscada para la parte de pixelation del trabajo.

A la noche espero ya poder subir algo de lo que estuvimos haciendo.

Mirame, mirame, mirame. ¡TE DIGO QUE ME MIRES!

      

WIKIPEDIA: En sentido amplio el exhibicionismo (del latín exhibere, "mostrar") es la inclinación de un individuo a exponerse en público de forma espontánea y excesiva, sin ajustarse a las normas sociales. Dicha inclinación implica también el continuo hablar de convicciones, sentimientos, capacidades, aversiones o gustos, sin invitación previa para ello. Mostrarse de forma ostentosa puede ser también una forma de exhibicionismo.

Empiezo por la definición de exhibicionismo otorgada por Wikipedia y por el trailer una de las más increíbles películas que haya visto: Tarnation. En el cine, se habla mucho del voyeurismo y del deseo constante del ser humano de mirar, de la compulsión; del cine como ventana, del espectador como espía silencioso, etc. Y lo mismo para la fotografía (La Historia del Ojo, Ante el Dolor de los Demás, etc)


Pero qué poco se dice del EXHIBICIONISMO. ¿Y acaso no es esta una de las sociedades más exhibicionistas que existen con la tecnología y las técnicas más avanzadas para la difusión? El amor por cámara más que una pasión creo yo, es una obsesión de la sociedad contemporánea. Y qué poco asimilado que tenemos esto como para que la definición de Wikipedia incorpore una frase como "...sin ajustarse a las normas sociales" ¿Quién no tiene un video avergonzante en Youtube? ¿Una foto reveladora en Flickr? ¿Una confesión íntima en Blogspot?
¿Y de qué se trata Wikipedia si no se trata de "hablar de convicciones, sentimientos, capacidades, aversiones o gustos, sin invitación previa para ello." ? La enciclopedia libre. Sin moderación, sin control!!! Entonces...¿Podemos seguir definiendo al exhibicionismo de la misma forma en que se hacía en los albores del psicoanálisis? ¿Hasta qué punto podemos definir como enfermedad o "fenómeno particular" una situación que define a grandes porcentajes de la población mundial y que se encuentra institucionalizada y promovida? Wikipedia, Twitter, Facebook, Google+, Vimeo, Youtube, Flickr, Blogspot, GMail, Wikileaks. Los smartphones, laptops y pads nos permiten llevarLos con nosotros. El placer de ventilar las intimidades en la mayor cantidad de lenguajes posibles en el momento de hacerlas. Mirame, mirame, mirame, mirame, mirame. TE DIGO QUE ME MIRES. Tenemos la cámara en el bolsillo, el ojo ajena vigila el forro de nuestros bolsillos y entrevee nuestros calzones mediante sus agujeros.


Acá, Sophie Calle. Su novio de años, gran amor de su vida, una relación intensa, la deja. ¿Pero la deja de cualquier manera? No, le envia un e-mail que termina con el simpatiquisimo "Prenez soin de vous" (Traducción: cuidate) ¿Qué hace Sophie? ¿Encerrarse a llorar en su casa? NO. ESO ES TAAAAN DEL SIGLO PASADO. Le envia el mail a 500 mujeres con 500 distintas profesiones para que hagan lo que quieran con el mail y se filmen con ella. Y luego, monta una enorme exposición llamada (cómo no) "Prenez Soin de Vous" Aquí algunos videos:

TRAPITOS AL SOL. Un lema internacional.

Aprender a pescar

"Si un hombre tiene hambre no le des un pez, enséñale a pescar"

Bien, hora de la auto evaluación. En relación, a este TP 3 que acaba de pasar, quedo mayoritariamente satisfecho. El resultado final es mediocre por distintas razones. 1) Porque es una edición de lo posible, es la articulación de una situación a partir de retazos de otra y esa falta de planificación previa se hace notar. 2) En lo personal, me hubiese gustado trabajar más la segunda edición y probar más combinaciones posibles porque siento que la escena de la preparación quedó trunca y que la construcción del clima podría haber sido más eficaz con el material con el que contábamos. Pero no siempre es fácil coordinar en tiempos e ideas con el grupo y es parte del juego de creación colectiva.
Sin embargo, creo que en el proceso educativo, el resultado no es siempre lo más importante. Durante el proceso de trabajo de este trabajo práctico, aprendí mucho verdaderamente y es una de las experiencias de este cuatrimestre de las que más cosas positivas me llevó. Por un lado, agradezco a Octavio por planificar un ensayo de improvisación previo con las actrices; el ensayo fue algo que disfruté muchísimo hacer y aprendí un poco de dirección de actores desde la experimentación. Uno puede opinar después sobre los resultados de actuación, pero fue interesante hacer un trabajo previo, trabajar la vinculación, encontrar los defectos y virtudes de cada una de las actrices, proponer juegos, aprovechar la riqueza expresiva de ambas y encauzarla hacia donde nosotros queríamos ir. También rescato enormemente el proceso de preproducción que fue bastante complejo y que creo que en todo lo relativo a arte, pudimos cumplir nuestros estándares y quedamos satisfechos con el resultado. Las cosas que no salieron bien o que hubiesen requerido más planificación me hicieron aprender más sobre los tiempos y necesidades de producción y a ver las limitaciones de un estudiante de la etapa en la que estoy.
A su vez, también con la experiencia de la filmación  de una situación improvisada, aprendí mucho sobre cómo filmarla. No tuvimos posibilidad de volver a filmar la situación pero sé que de haber sido posible, habríamos alcanzado un resultado superior. Realmente me llevo ideas sobre formas posibles de filmar improvisaciones y también sobre cómo poder ir pensando el montaje durante el rodaje aún cuando la situación sea tan espontanea. También me gustó el trabajo previo a encontrar la situación definitiva, disfruté de buscar referencias, de ir hilando cuenta por cuenta las cosas que nos interesaban a los tres para poder encontrar una situación que nos representase.
Por todo esto, digo que me voy feliz. Yo estudio no para sacarme un 10 y complacer a otro, si no para encontrar  y desarrollar un lenguaje propio que me permita expresar inquietudes desde el audiovisual. Y creo que jugándosela por lo que uno quiere y equivocándose, se aprende mucho. Para aprender modales en la mesa, prefiero empezar usando mal los cubiertos y manchándome a cada bocado que dejar que otro me corte la milanesa y me la de de comer en la boca. Esa no es una experiencia enriquecedora en lo absoluto. Por eso, también siempre voy a mantener una actitud crítica hacia las correcciones y voy a discutir con lo que me dicen porque me ayuda a formarme en diferenciación de otro. No me interesan las fórmulas prefabricadas.
También algo que tuve muy en claro a la hora de entrar a la facultad fue que si necesito o quiero hacerla es porque creo que tengo mucho que aprender. Y mi postura fue considerarme un boludo, pero un boludo con ganas y potencial para dejar de serlo. Entonces, de verdad, siempre intento tomar lo que me interesa de las correcciones de Bruno y hacer con eso lo que yo creo más adecuado pero permitiéndome correr riesgos. En el trabajo pasado, me dijo "maniquíes no" y yo estaba convencido de que maniquíes sí y lo desarrollé, y en la corrección final, Valansi remarcó como algo interesante de mi trabajo a la analogía entre mi personaje y los maniquíes. En el caso de este trabajo, yo diría que tuvimos un planteo de producción muy excesivo y que por una cuestión de practicidad, hubiese sido inteligente de nuestra parte tener más en cuenta esto (como decía y recontra decía Bruno) y hacer los recortes necesarios. Hicimos el intento del recorte, verdaderamente lo hicimos y las correcciones que hicimos con él nos fueron siempre muy útiles y fuimos tomando distintas cosas. Pero nos faltó cierta objetividad y frialdad a la hora de poder plasmar lo que hablábamos con él y lo cierto es que nuestra experiencia de rodaje fue realmente caótica por cuestiones propias y ajenas de organización y nos desbordó.
En ese sentido, aprendí mucho sobre montaje y edición, a la hora de transformar nuestra situación para convertirla en algo más deseable y potable.
En cuanto al cuatrimestre, no hay mucho más para decir. Mucho de lo que dije se aplica a algo más general, estoy creciendo, estoy a la búsqueda y creo que ese buscar es el motor vital más grande que puede existir. Agradezco a Bruno por mantenerse siempre tan firme en su estilo y su visión y permitirme debatir con él y formarme en ese debate y también le agradezco su sensatez y su acompañamiento que puedo decir que valoro más hoy que al inicio de la cursada. En cuanto al problema de ubicación que nos remarcó, lo entiendo y lo comparto; creo que hay experimentaciones inteligentes y otras que no. Saber cuáles son los recursos con los que cuenta uno y aprender a manejarlo es clave y lo voy considerar mucho más seriamente para los próximos trabajos. Hay mucho más para decir pero me parece que el post ya es excesivamente largo. La experiencia viene siendo positiva, aunque como con todo, hay cosas que no me cierran. Yo quiero dar más de mí, me gustaría tomarme más tiempo para diseño. El blog es bueno como espacio de reflexión. Ah, y también creo que no soy bueno para sacarle el jugo a la consigna planteada y que me voy por la tangente, eso es algo que ya me había planteado con el trabajo anterior y es una meta que no cumplí. Veremos que pasa en el segundo cuatrimestre
Cierro con el credo del Free Cinema, al que adhiero en parte y que siento que viene al caso de todo lo que quise decir, y que como siempre, encuentro gente más elocuente y sintética que yo para decir lo que pienso:

No film can be too personal.
      The image speaks. Sound amplifies and comments.
      Size is irrelevant. Perfection is not an aim.
      An attitude means a style. A style means an attitude

Autoevaluación - TP2

http://vimeo.com/24393567

Este es link del video y la contraseña es: agusliodav

    Quería subir el video yo pero sigo con problemas en la computadora y no me puedo ocupar de hacer una compresión como la gente que me permita subirlo a mi vimeo, por eso, le pido prestado el suyo al amabilísimo señor José Octávio Salles Tavares Paes . No quería retrasar más la autoevaluación.

    En relación a este trabajo, puedo decir que quedé muy satisfecho con el resultado en relación a la instancia anterior. En el trabajo pasado, mi problema había sido no haber encontrado la manera de comunicar e interesar al otro por mis reflexiones sobre el lugar. Esta vez creo que el problema comunicacional fue sorteado sin complicaciones. Valanci, cuando mostraron mi trabajo, remarcó justamente lo que yo había querido enfatizar: la relación de Agustina con el entorno. Y por otro lado, remarcó la precisión del trabajo fotográfico en relación al juego de luces y sombras.Esos dos fueron respectivamente el eje temático y el eje metodológico que definieron el accionar de mi trabajo.
   Por otro lado, el resultado fotográfico fue muy bueno...nunca llegué a estar del todo satisfecho con la edición y el sonido. No es que hayan estado mal, creo que alcancé un buen resultado y que la estructura planteada aportó nuevas significaciones al mensaje. Sin embargo, el problema radicó en la utilización del soporte. Cuando empecé a sacar las fotos, nunca pensé en que más adelante iban a ser una secuencia de fotos en video; durante el trabajo, no hice ninguna reflexión sobre las posibilidades expresivas y técnicas de ese soporte. Por lo tanto, a la hora de armar el video, ésto se notó muy claramente y jugó en detrimento del resultado total.
   En conclusión, me quedo conforme porque resolví la meta planteada al finalizar el trabajo pasado, el problema de lograr una comunicación efectiva, y  puedo decir que fue un trabajo interesante como aproximación a la idea de retrato y de caracterización de un personaje. Para el próximo, me propongo sacarle más jugo al soporte y pensar con más detalle el por qué de cada consigna y trabajar siempre en pos de la meta planteada.

El Otro: Agustina San Martín

http://vimeo.com/24357617

Bueno, acá está un posible editado de la imagen sola.

Contraseña para el video: "lioagusdav"

En búsqueda de la secuencia pérdida...

Problema. Estoy contento con el resultado de las fotos, hay algunas (estas por ejemplo) que me gustan mucho. Pero el problema es que al cambiar todo el tiempo de escenario, al tener planos largos y muchas información en cada foto (información que varía en cada escenario) se me hace muy complejo pensar esto como video. Cada foto requiere un gran tiempo de lectura pero eso corta la fluidez necesaria de un video. Encrucijada. Quizás el sonido sea la respuesta.

Con la mira en:

Quiero que mi trabajo sea sobre la relación imagen-representación, fondo figura. Lo más destacable en Agus es para mí es su relación con el contexto en el que surge. El entorno es fundamental para la construcción de mi personaje. En estos tres fotógrafos, me interesan esas relaciones particulares entre el retratado y el lugar. Pareciera que encajan, pero no.


PHILIP LORCA DICORCIA

JEFF WALL

 TIERNEY GEARON

¿Cómo volver universal a lo personal?

Soy pasional antes que intelectual. En todo lo que eso trae de bueno y de malo. En ese sentido, soy de la creencia de que uno sólo puede hablar de las cosas que conoce o vivió o de aquellas en las que puede proyectar una parte de sí mismo, consciente o inconscientemente. Me mueve lo que me conmueve. Y que desde ese lugar propio, empieza la búsqueda por universalizar el trabajo y llegar al otro.

 Por eso, en este trabajo me gustó mucho mi aproximación al mismo. No basé el trabajo en el lugar, no me hubiese sido posible hacerlo. Y en eso, creo que se distinguió y yo me siento representado. No hice lo barroco de la casa de la abuela, la marca temporal y la melancolía de la casa abandonada, el encierro del hospital, el miedo de la noche, la acumulación bizarra del mercado. Intenté reproducir una atmósfera y un clima particulares de este lugar pero que no le son necesariamente cualidades inherentes a un centro cultural. Es un microclima que se puede generar o no en el lugar, dependiendo del estado de ánimo y  de la historia del visitante. Microclima congruente con mi propia historia. Para eso trabajé determinada iluminación y una coloración, un balance entre lo que se oculta y lo que se revela y otros tanto recursos. Y siento que las fotos para mí no sólo son bellas si no que cumplen su objetivo además.

Pero también admito que lo clave en esto es el "para mí". El hecho de que el trabajo pasara completamente inadvertido en la corrección me hizo dar cuenta de la gran falla comunicativa. El proceso de pensamiento es tan personal que no logra universalizarse e interesar al otro aunque tenga el potencial de hacerlo. El discurso es interesante por un lado; pero sin él, para el otro las fotos no son más que aceptables ¿Por qué alguien habría de detenerse a buscar un poco más? ¿Cómo llego al otro? ¿Qué elementos pueden acercarlo a recorrer parte mi proceso constructivo aunque después el espectador no se relacione con el mismo? Yo estoy en las fotos, seguro. ¿Pero cómo hago para que el otro se pueda relacionar con ese "yo" y sentirse reflejado? Trabajé la síntesis, trabajé los recursos plásticos. ¿Me pasé de sintético? ¿Me pasé de "metáforico"? ¿Qué falló? No tengo respuesta, por eso el título del post sigue siendo una pregunta. ¿Se trata de simplificar el proceso mental? ¿De hacerlo más accesible, menos obtuso? No sé, no sé nada. Me enfrento al mayor miedo de mi vida: ser gris 18.

El trabajo fue productivo como proceso de aprendizaje, me sirve hacerme preguntas. Pero lo considero un fracaso a nivel comunicativo.

Este es la orden final del trabajo finalmente titulado "El Matienzo":

Serie Definida: "El Adiós"

Este es el orden. Estas son las fotos. 

Y sí.

¿Por qué esta foto? Revisando las fotos que iba a llevar a imprimir, me encontré con ésta y no pude evitar preguntarmelo. ¿Por qué saqué esta foto tan fría en mi búsqueda por explotar el potencial erótico del lugar? No es ni la imagen más rica, ni la más interesante técnicamente, ni la mejor iluminada ni puedo decir exactamente qué puede tener de sensual.
Y ahí, mirandola detenidamente, me cayó la ficha (diría la Doña). Dos sillas, frías, cerradas en un cuadre frontal, cerrado, simétrico, calculado. Pero con una  distinción fundamental: una tiene la iluminación en llama y la otra no; la otra está prácticamente en sombras. Una es fuego y a la otra le falta poco para ser cenizas. Sin haberlo planeado concientemente, me doy cuenta de lo obvio, de algo que estaba trabando la fluidez de mi trabajo. Sin saberlo, se filtró parte de mi historia. No es el principio del encuentro amoroso lo que ve mi ojo; es la memoria física, las huellas de los fantasmas del amor. Mi trabajo no es sobre el presente de los cuerpos, es sobre la melancolía; es un trabajo de no-aceptación, es intentar volver tangible un tiempo que ya caducó.
Mi mirada sobre el amor es la mirada desde la muerte del mismo. El tiempo de los amantes terminó y sólo el espacio sobrevive como testigo de lo intangible. La materialidad del espacio y de los objetos, su peso, su fuerza, actúan como recordatorio de lo efímero de nuestra existencia y del caracter etereo de nuestras vivencias. Nosotros fuimos, las cosas son. Aunque las destrocen y se transformen en otra cosa, siempre van a manener su materialidad.
Ahora todo cuadra mucho más. Mi trabajo es sobre la huella, es la presencia de una sensualidad del espacio que se vuelve opresiva, que nos agobia en el recuerdo. Y ahora a tengo lo sensorial. Tiene música. Y el olor. El olor es el de la piel de aquel que ya no está. Es sutil, pero está. Mi lugar es el lugar de quien pega la nariz al sweater de ese amante que se fue. Y ese naranja es una calidez que se vuelve calor. Todo es ya demasiado intenso, sofoca.
A ver si ahora cierra más, diganme si lo ven o si soy yo solo:

 Uff, me enferma editar esto. Soy muy poco tecnológico, sepan disculpar que las fotos queden así desparramadas al tún tún. Acá va la música para que se ubiquen. Hold Time de M. Ward:

Y por último, último. Algunas definiciones extraídas de "fragmentos de un discurso amoroso" de Roland Barthes, que sirven para entender la óptica de mi personaje:


Abismarse: ataque de anonadamiento que se apodera del sujeto amoroso, por desesperación o plenitud.

Ausencia: todo episodio de lenguaje que pone en escena la ausencia del objeto amado...


Desrealidad: sentimiento de ausencia, disminución de realidad experimentado por el sujeto amoroso frente al mundo.

Resonancia: modo fundamental de la subjetividad amorosa: una imagen, una palabra (un lugar) resuenan dolorosamente en la conciencia afectiva del sujeto.

El Potencial Erótico

 Me puse a pensar bastante en este asunto del punto de vista y en lo que me pasa a mí con el lugar y con el clima que fui generando para mis fotos y empecé a pensar en la posibilidad de darle el punto de vista de un amante. Del amante en busca del encuentro amoroso, en la búsqueda de generar un clima de seducción, de encontrar ese rincón oscuro, de generar intimidad. Y eso me llevó a diversos lugares y a buscar distintos referentes. Por un lado, están las películas Último Tango en París y Con Ánimo de Amar. Dos películas cuya dirección de fotografía me encanta, muy especialmente la de Storaro para la primera de ellas. Me interesa mucho cómo trabaja las luces, el color y el sentido que le dan estas luces a los espacios; siento que logra sacarle al lugar todo su potencial erótico. Encontré una construcción de luces cálidas, naranjas, claroscuros y sombras marcadas; algo parecido a lo que yo había planteado para mi aproximación al Matienzo. Si bien muchas de las escenas del departamento ocurren de día y yo quiero hacer el trabajo en la noche del Matienzo, me pareció que el tratamiento del espacio me podía servir de inspiración.

Creo que para construir este enfoque, me falta trabajar más la situación e incorporar algo más sensorial, propio del ámbito de lo sensual. Tengo trabajado el sentido visual en las fotos, pero poco el auditivo y nada el olfativo o táctil o gustativo. Mis fotos no transmiten nada de eso por ahora.Y estos tres últimos sentidos se vuelven primordiales cuando se apaga la luz, son claves para un encuentro pasional. Y quizás incorporarlos podría aportar a mis fotos "la luz" que les niego al hacerlas tan oscuras, al revelar tan poco a la vista del espectador. Entonces, pensé que sería útil trabajar con el Matienzo a la hora de cierre y no a la hora de apertura (como hice la vez pasada); porque al cerrar se incorporan los restos de todo lo que pasó esa noche, el lugar adquiere otra vida. Hay cenizas, platos sucios, etc, etc. Es como que aflora un aroma nuevo que antes no estaba. En la misma dirección, pensé que también me gustaría entrar tanto a la cocina como al baño. Dos lugares que en mi primer acercamiento ignoré por completo y que pueden resultar claves para este nuevo punto de vista.

Por último me interesó también el potencial erótico que pueden tener los objetos. Y pensé en fotografías como estas de Edward Weston, y Ernst Haas:

Si bien estas imágenes tienen otra estética, lo que me interesa es por un lado la textura, que entra dentro de esto que digo que le falta a mí trabajo. Y también, la posibilidad que tienen de actuar como metáforas, como imágenes que recuerdan a dos cuerpos entrelazados. En este sentido, hay algunos objetos que fotografié que me podrían servir si se combinan con las imágenes del espacio. También estuve chusmeando algunas lecturas como para ayudar a definir más este enfoque, pero todavía no tengo nada preciso. Estuve viendo algunos relatos eróticos de Marosa di Giorgio, un cuento de Música de Cañerías y algunos pasajes de El Reposo del Guerrero y de El Amante del Volcán. Proceso en construcción. ¿Sugerencias? ¿Críticas? ¿Más referentes? Son más que bienvenidos. (¿Se supone que uno haga más breves estos textos, no?)

Primera Consigna

    Bien, antes que nada, me disculpo por subir esta versión de la fotografía con el maldito copyright marcado en cada rinción posible de la imagen . Lo que ocurre es que ya no está en la página del fotógrafo la versión que descargué y cuya copia llevé el lunes. Además, espero poder explicar más articuladamente el por qué encuentro a esta imagen fascinante.
    Dicho eso, voy directamente al grano. Esta es una fotografía de Alex Webb, artista norteamericano que me gusta mucho. Si tuviese que definir la esencia de esta foto en una un par de palabras diría: poder de sugestión. Logrado por una combinación excelente entre lo que se revela y lo que se oculta, un juego de luces y sombras impecable donde se nos muestra lo mínimo indespensale para atraernos y al mismo tiempo dejarnos con ganas de más. Resaltado por la utilización del color en su máxima expresión semántica; tanto en los tres colores alineados del fondo como en los reflejos rojos que tiñen estas siluetas y nos permiten acceder a cierto detalle de estos personajes.
    Para mí, esta es una fotografía inconclusa y polisémica, de final abierto, donde reina la ambigüedad. Y creo que es exactamente ahí donde se vuelve grandiosa y donde entra la poesía. En tanto concibo a la poesía como un arte de la ambigüedad, en continua construcción y donde la producción de sentido se renueva con cada lectura, con cada visionado. Todo está dicho, sí, pero ese todo es un constructo social y, por ende, dinámico. Es una estrctura abierta a la transformación y esto se radicaliza por el hecho de haber sido construida con la mayor economia de recursos posible. Y cada uno de estos factores se cumple al pie de la letra en esta fotografía.
   Esta imagen interpela al espectador, llamándolo a reflexionar sobre sus pensamientos frente al fenómeno de  la otredad desde la óptica de la mirada blanca occidental. Esto es así ya que se nos permite ver sólo lo suficiente como para poder identificar a estas siluetas como personajes típicos en un contexto, pero donde se nos niega la nitidez del rostro, quitándonos también la posibilidad de humanizar a estos personajes que se ven privados de su individualidad. Y en ese sentido, el espectador no tiene más opción que juzgarlos por lo que cree conocer de ellos como parte un amplio conjunto social . A esto se suma además la postura de las siluetas, una postura de desiquilibrio físico que genera extrañeza...una inestabilidad en la imagen que se puede volver quizás amenazadora. Sin embargo, la imagen no aporta un cierre a esta situación, carece de conclusión y es el espectador quien debe otorgarle un sentido y darle un final (o no) en base a su propio bagaje cultural, a su ideología, a su experiencia.

   En cuanto a la teórica de Valansi, rescato lo dicho sobre la relación entre fotografía y belleza. Nunca me había planteado la posibilidad de una relación intrínseca entre ambas y los problemas morales que esto puede generar. Da para reflexionar. Por otro lado, me quedó picando lo de "saber por qué nos gusta lo que nos gusta" que es una cuestión que me vengo planteando a mí mismo desde hace tiempo. Y comparto con él en el hecho de que esta búsqueda es fundamental, pero también veo que las respuestas que voy encontrando son también las más superficiales quizás. Y no veo que esto se malo. Creo que justamente la gracia de esto radica en la búsqueda y en la formulación de preguntas y en la aparición de esa pequeña cadena de respuestas; siento que es el proceso lo que cuenta. Creo que llegar a una última respuesta es una situación utópica y que en caso de alcanzarla, no sólo nos habríamos ahorrado muchos años de terapia, si no que también se nos irían las ganas de hacer, de producir audiovisual. Me gusta esto del blog además, me da una oportunidad para volver a pensar. Y para no hacerla más larga (aunque me parece que ese barco ya zarpó hace rato), me despido.